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Vittorio Storaro: Trabajamos en esta profesión para entender lo que somos

wp_20161120_002Mar del Plata (por Blanca López, enviada especial).- “Disparen sobre el pianista”, sonríe Vittorio Storaro, el legendario director de fotografía, parodiando la película de François  Truffaut.
Para él, su profesión se traduce en “Escribir con la luz”, el nombre de su obra “donde se diferencia de manera muy precisa la fotografía de la cinematografía. La primera es la expresión en una sola imagen, la otra es compuesta, es la décima musa, que se alimenta de las otras. Para contar una historia cinematográfica necesito un tiempo, un estilo, un ritmo que viene de la música, es algo que se hace entre muchas personas”.
En ese volumen se resumen su carrera y su conocimiento de cómo se conforma el color, con los elementos de la filosofía griega, y cómo encontrar un equilibrio, y hasta el sentido de la vida, según sus palabras, “escribo acerca de la creatividad cinematográfica”.
-Soy consciente de que soy un escritor de la imagen.
Para confirmarlo basta visitar la exposición que, en estos momentos, se brinda en el CCK de Buenos Aires, con setenta trabajos suyos.
Tres fueron las charlas que el maestro de la fotografía brindó en el marco del festival. Una con el periodismo, la segunda con los jóvenes, los estudiantes de la carrera, sobre la diferencia entre lo analógico y lo digital. Recién en “Café society”, de Woody Allen, Storaro aceptó comenzar a trabajar en digital y esta es la cuestión que lo preocupa desde que terminó de trabajar en la última película de Allen: dedicarse a viajar para contarles su punto de vista sobre la cinematografía digital en todos sus aspectos.
-Es una demanda que nos toca vivir en este tiempo histórico. El cambio de lo analógico por lo digital. Antes de “Café society” había experimentado con un trabajo con Carlos Saura que se vio en televisión y después pasó a Blu-ray. Hay una palabra que se llama progreso. Tenemos que atravesar ese puente juntos, de la mejor manera posible. El hombre siempre se expresó con imágenes desde la época de las cavernas, pasando por los mosaicos bizantinos, hasta los graffitis, la fotografía, el cine, el panorámico, el color… cambió la materia, pero no la idea”.
Y lo de la idea tiene que ver con su labor pionera hasta en la adaptación del comic: “A Warren Beatty todos lo consideraban un playboy, pero su sueño era hacer ´Reds´, la historia de John Reed, el americano que contó la revolución rusa. Después me dijo que quería hacer ´Dick Tracy´, que era un comic y le propuse una visión del posmodernismo alemán, algo revolucionario que se distanciaba de lo oscuro que era, por ejemplo, Batman”.
Su presencia se agiganta ante la versión extendida, con 45 minutos inéditos, de “Apocalypse Now”, la incómoda visión de la guerra de Vietnam, de Francis Ford Coppola, en cuyo marco brindó una charla informal con el público.
wp_20161120_013-No me gusta el término “director de fotografía”. En el cine hay un solo director, es como en una orquesta, donde hay un solo conductor. Nosotros somos creadores. Antes los estudios eran abiertos y se usaba luz natural, pero cuando se hicieron cerrados, se utilizaba la luz artificial, que venía del teatro. La base de la imagen es el lenguaje de la luz. En Italia se nos dice Autores de la Fotografía, según una ley que inicié yo. Los americanos están equivocados.
Siguiendo con ese concepto afirma que sólo trabajó, en colaboración verdadera, sólo con un puñado de realizadores: Coppola, Bernardo Bertolucci, Carlos Saura, Beatty y, últimamente, Allen: “Trabajamos en esta profesión para entender lo que somos, de una manera íntima. Por ejemplo, esto me pasó enseguida con Saura. Nos conocimos en Tokio. Ahí me dijo que no iba a contar la historia del flamenco verbalmente, pero si lo hacíamos bien el público iba a entender igual. Me hacía dibujos para que entendiese que íbamos a usar el ritmo de la cámara, de la música y de la luz en medio de un mundo abstracto construido entre bastidores para transmitir la vida y la energía que emite el flamenco”
Filmar coreografías o la escritura del baile, retrotrae a su teoría del fotógrafo, grafo o escritor, en su caso, de la luz.
-Para trabajar me ayudaron las letras de las canciones en las que se reflejaban los mundos femenino y masculino. El concepto fue tomar el recorrido del sol para los hombres, y el de la luna, para las mujeres, y el amanecer en lo coral, cuando ambos se unen. Creé así mi historia simbólica, a falta de texto.
No todas fueron rosas en su carrera, a veces encontraba directores a los que no les convencía lo que él podía ofrecerles.
-Con los años aprendí de mis hijos, de mis alumnos, la importancia a decir que no. Tiene que ver con las ondas negativas y positivas. La gente las capta.
Hoy en día el público ve películas más allá del ámbito de una sala cinematográfica: en la televisión, en la tablet, en el teléfono.
-Lo importante es transmitirle al espectador el valor de la imagen en la historia, como reflejo de la emoción que provoca. Desde la perspectiva del cine no se puede prever dónde se va a ver una película, no puedo cambiar la naturaleza de la imagen según el medio en la que va a ser vista, pero por supuesto no es igual ver “Apocalypse Now” en el cine, que en el celular.
Para culminar nos deja una reflexión importantísima, de carácter cultural, de la que todos deberíamos aprender.
-Este año hubo una retrospectiva de 16 directores de fotografía italianos en el Guggenheim, yo aporté mi trabajo en “El conformista” y en “Apocalypse Now”. Un periodista me preguntó por qué pensaba que habían elegido compatriotas para la muestra, y no americanos. Le dije que creía que era porque la luz y el color están en nuestra sangre. Desde que somos chicos nos vemos rodeados. Entramos en una iglesia y absorbemos su arquitectura, las pinturas, la música, todo lo que hemos heredado de la civilización romana. Hasta en la escuela, nuestros cuadernos tienen a la Gioconda en la tapa.

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