Pantalla Pinamar 2017: La libertad, en todas sus expresiones

El director Paulo Pécora, con los actores de “Lo que tenemos”

Pantalla Pinamar (por Blanca López, enviada especial).- El día comenzó con el anticipo de “Lo que tenemos”, de Paulo Pécora, con Alberto Rojas Apel y Maricel Santin, sus protagonistas.
Hecha sin ningún tipo de aporte institucional, con sus propios ahorros, los 10 minutos proyectados reflejan los 10 días de filmación y el título de la película. Junto a Mónica Lairana, la tercera intérprete del filme, escribieron el guión entre todos, sobre la idea de las nuevas formas de familias. Trabajaron además sobre improvisaciones pautadas, sintiéndose parte de la creación colectiva.
Se filmó en la casa de los padres de Santin, que tienen una casa en la Lucila del Mar, fuera de temporada, casi desértico el lugar en esa época del año, ideal para concentrarse en las relaciones de los personajes.
“Acordamos diagramarlos en cuanto a lo que queríamos contar y experimentar, no algo a lo que ya estuviéramos arraigados”, aclara la actriz.
“La escritura colectiva es un ejercicio, una especie de ping pong, tratando de llegar a un acuerdo sobre el tono que queríamos para la película. Muchas cosas se fueron escribiendo sobre la marcha, y se sigue transformando en el momento de la edición”, aclaró Pécora, “Dentro de ese marco teníamos la libertad de probar”.
Rojas Apel afirma “que fue un gran aprendizaje escribir el guión entre todos”.
“Tratamos de acentuar el intercambio emocional, y dejé mi rol de director para mostrar eso de la mejor forma posible”, contó Pécora, quien además fue el camarógrafo y fotógrafo del filme.
En la trama los tres tienen un plan y éste se quiebre por circunstancias que se van dando en la amistad que los une.

Fernanda Ramondo, en el centro, realizadora de “No te olvides de mí”

Ganadora del concurso de ópera prima del INCAA. Difícil para producir ya que es de época, ambientada en el ´30, “No te olvides de mí”, de Fernanda Ramondo, también contó con el aporte de Leonardo Sbaraglia, quien leyó siete años antes el guión y se entusiasmó con el proyecto.
Planean estrenar en mayo, cuando Sbaraglia termine la serie que está filmando en España, luego de su presentación aquí y en Mar del Plata y fue realizada en verano, y con la parte técnica de la Universidad del Cine, donde estudió Ramondo.
“El filme se hace eco de la complicidad que los tres protagonistas lograron durante los ensayos”.
“Me gusta trabajar sobre la figura de un hombre que quedó fuera de su época. Es anarquista porque me gusta su concepto de libertad, y de soledad porque él había sobrevivido a los acontecimientos de la Patagonia. Justo en ese período el anarquismo está en decadencia. Es un héroe que ya no tiene lugar, pero no se rinde a sus ideales primarios”, aclaró Ramondo, “Tiene que reconstruirse solo con una idea nueva de familia. Claramente no es una película política”.
Con un presupuesto de u$250.000, “la rusticidad que se ve, en lugares que nos insumiera lo menos posible, fue buscada con la dirección de arte. En 9 de julio encontramos todas las locaciones en los pueblos rurales, y luego a las salinas de Villarino”.
Vecinos de la zona participaron, y se destaca que los pueblos rurales también dicen “No te olvides de mí”: “Están detenidos en el tiempo, pero de una manera de digna”.
A Sbaraglia le costó entender el personaje “un tanto más rústico” ya que todavía no había hecho “Sangre en la boca” o “Al final del túnel”, que le exigían más físicamente, relató Ramondo.
Santiago Leonel Saramite es el descubrimiento adolescente de la trama, y aunque no conocía demasiado de cine argentino, ya tiene otra obra en las gateras, “La fragilidad de los cuerpos”. La anécdota cuenta que en uno de los callback tuvo que leer con Sbaraglia, que resolvió de una manera muy natural… porque no lo conocía.
“La película me está dando muchas satisfacciones porque se está dando en festivales donde hay playa y aprovecho para tomar sol. Después de Mar del Plata hice un terrible viaje de 35 horas a Boas, en la India, en una sala para mil personas, donde mujeres con sari venían a saludarme, aunque no les gustó el final que no era Bollywood (risas). También se presentó en La Habana, y al de Iquique, donde recibió una mención especial del Jurado, y seguirá para Marsella y Málaga. Terminamos en el Festival de Cine de Uruguay, en competencia. El contacto con el público al finalizar el filme me hace bien, es lo que nos hace seguir a pesar de las dificultades. Antín me dijo, ´cada película tiene su público´ y vamos a tratar de llegar a ellos”, dijo Ramondo, con sensatez.

El matrimonio Manoussakis, responsables de “Domingo sombrío”

El turno griego comenzó con “Domingo sombrío”, de Manoussos Manoussakis, quien estuvo junto a la productora, María Manoussakis. Pareja en la vida real, compartieron la mesa de conferencias.
“Los intérpretes son todos jóvenes, que terminaban sus estudios actorales. Eran sus primeros protagónicos”. La productora aclara que Tesalónica ofreció 1500 actores para participar en el filme. Y los que no tenían trayectoria, “nos guiaron en los movimientos en la escena de la sinagoga, llegaron a ser casi 2200”.
Estrenada en su país de origen, “Tuvo una muy acogida y todos hacían la relación entre la situación actual y la ocupación de Alemania. Estuvo tres meses en 111 salas y viajamos por Grecia y hablamos con las audiencias. Fue una gran experiencia y lección, porque supimos dónde habíamos triunfado y dónde habíamos fracasado”.
Fuera de Grecia, afirma María, “se ha establecido un diálogo, porque ha suscitado conexiones con el presente, sobre todo en lo referente a la inmigración y a la situación económica”.
En China, se relacionó con la invasión japonesa “la gente lloraba”, por ejemplo, y en Irak, donde estuvo sola María, “el paralelismo fue con las estrategias de Saddam Hussein, con los kurdos del norte, fue fascinante”. Al mismo tiempo se estaba mostrando en Nueva York, a donde Manoussos había viajado.
En el filme se habla ladino, ya que la mayoría de la población de Tesalónica era judía, que había partido de España de donde fueron expulsados por Isabel La Católica. En 1912 todavía el 60% era judía. Incluso hoy se enseña, a pesar de que poca gente lo habla. Y el coro que se ve en la película lo utiliza y es actual.
La música es una parte importantísima, su autor se inspiró en un día nevado y encontró unas manchas de sangre, y al seguirlas encontró un muchacho muerto. “Reproducimos la escena junto a otras muy shockeantes. Lo más difícil fue hacer que los instrumentos sonaran auténticos, no electrónicos. Fue grabada así, y después le sacamos todo eso para que tuviera sonido de época sin que pareciese extraño a los oídos de ahora”, afirmó el realizador.
Basada en una novela, “a través de los ojos de una pareja enamorada y lo que se vivió en ese momento, para mostrar lo que significa el fascismo, el nazismo o cualquier dictadura y recordarle a la gente e incluso los judíos han olvidado. Esto es la imbecilidad de los racistas. Debido al problema inmigratorio está floreciendo este tema, y no solamente en Europa. Sentimos que teníamos que hacer esto ahora, aunque no hayamos sufrido nada de eso. Pero contamos una historia que no se había contado antes”.

Sandra Sandrini, junto a sus dos hijas

La figura del actor y la construcción de un personaje es el tema principal de “Sandrini”, filmada por su hija Sandra quien contó con la colaboración de Carla Pantanalli Sandrini en la locución y música, y Roberta Valdino Sandrini, la tercera gestora del proyecto en animación y montaje, ambas nietas del intérprete.
El filme cuenta con la colaboración de Oscar Martínez, quien imitó su voz en algunos pasajes del documental, de Cinecolor, ayudando a mejorar las imágenes.
Se remarcó la intensidad con que la gente lo consideró un ídolo, y la evolución de su carrera, a pesar de que las temáticas y las formas cinematográficas cambiaban. Para Sandra “fue un gran desafío contar eso porque me llegaban comentarios, pero tenía que establecer qué era lo cotidiano, y lo que él generaba en el cine”. Madre e hijas trabajaron con los recursos que tuvieron a mano, desde hace 10 años, pero en los últimos tres meses pudieron hacer la posproducción, esperando su estreno a mitad de año.
“Mi papá hizo su familia de grande. Para mí, el Sandrini que conocí era muy callado, por eso tuve que investigar sus comienzos, el circo, el cine sonoro, su vida fue sincrónica con la evolución de la industria fílmica nacional”, aclaró Sandra, “Tomé como marco lo histórico porque mi papá tuvo una carrera muy larga que atravesó muchas etapas. Es algo misterioso la resonancia amorosa que produce en el espectador, y necesitaba que estuviera. Aún en la crítica hay respeto”.
Sandrini recalcó muchísimo la palabra “belleza” en la concepción del homenaje a su padre. El actor falleció cuando ella tenía 23 años, y le dejó para descubrir su gran obra, algo que también tiene que ver con las experiencias que tuvieron las nietas, quienes no lo conocieron.

Zanussi, a la derecha, junto al embajador de Polonia y el agregado cultural de la embajada

Por último Krzystof Zanussi, con la presencia de Marek Pernal, embajador de Polonia y del agregado cultural, Gregorio Sobocinski. Presentó su última obra, “Cuerpo extraño”.
“Inicialmente mi carrera en Argentina, mandando mi primera película en Mar del Plata, donde conocí a Pier Paolo Pasolini, y cené con María Callas. Gané el Mejor Guión. Fue una experiencia inolvidable”.
Luego habló de su primer trabajo, de 26 minutos, de ficción, que fue su tesis para la escuela de cine. Ideológicamente no fue aceptada porque era un país comunista. El director mandó dos copias a festivales que tenían posiciones diferentes: en Rusia fue considerado un filme progresista, en 1966, y para los alemanes fue religiosa. Y para deleite de todos, lo trajo a Pinamar.
Actualmente está trabajando en obras de teatro y en su próxima película. Para Zanussi, “la muerte es algo muy real, que me ha marcado de cerca, igual que la guerra”. En cuanto a “Cuerpo extraño” aclaró que el personaje de la madre adoptiva está basado en una persona real, para la que la culpa no existía. En ´Ida´ se usó el mismo, pero se suicida allí, lo que no pasó en su vida. Para mí, la expiación es un acto muy importante”.
Para él, la Historia “es un gran enigma, para mí no hay determinismo. No conozco país donde los remedios no sean caros. El tema de la película, que es el feminismo extremo, hizo que fuera expulsado del Concurso Nacional. Mi país crece de manera impresionante desde hace 25 años y las grandes estructuras internacionales ofrecen a los jóvenes un nivel de vida mayor, pero no les gusta la crítica. Para un autor provocar hostilidad ideológica tiene su valor. Es mejor ser amado, pero también tiene su valor el odio”.
“Como guionista soy un autor en el sentido tradicional, y por eso tiene un papel como en el mercado gourmet, para el público más exigente”, afirmó el realizador.
El hecho del que partió para hacer este opus fue que un familiar entró a un convento: “Creo que una catástrofe en la vida puede significar encontrar un nuevo camino. Ser malo es una decisión individual. El mensaje puede ser universal y es mi gran inspiración. Contando algo de Polonia, buscar el símil. Coproducida por Rusia e Italia, ellos se reconocen allí. La trama de la que comienzo a rodar en verano es una historia algo faustiana, y en ella la muerte no es el fin”.
Sigue la vida de aquellos que inspiraron el personaje. Su prima, la monja que le sirvió de modelo, pidió permiso para ver el filme. La vio con sus compañeras detrás del claustro, “un efecto raro de fotografía”, comentó generando risas.
“El mundo que veo es muy violento y de las cosas horrendas se habla en voz alta. En la próxima hablo sobre la privación de la libertad. El secreto del poder es querer poseer el alma”.
“Hay un filtro de la cortesía y de la hipocresía, si alguien va al baño durante una película mía creo que no le ha gustado”, dijo entre risas, cuando se le preguntó sobre las reacciones de la gente.
Admirador de Martin Scorsese, “El silencio” le pareció una de sus mejores películas porque también era “un cuerpo extraño”, aclaró sobre esta expresión que proviene de la Biblia.
“Hace dos siglos cuando Polonia fue dividida, el hombre iba a la cárcel y la mujer quedaba a cargo de la supervivencia. El prototipo de la mujer así es fuerte, tuvimos tres mujeres Primeros Ministros. Hay ventajas en este proyecto. Pero hay feministas que quieren mujeres que sean peores en los hombres, como Margaret Thatcher a la que no se la recuerda como a una paloma”.
Maestro, recurre a los clásicos para hablar con sus alumnos. Comparó así, entre risas, a Hilary Clinton con Lady Macbeth… “hay que leer antes de casarse”, apuntó.
Su labor con Wojciech Kilar, el compositor de sus filmes desde “La estructura de cristal” lo llevó a hablar muchísimo con él sobre Teología, pero nunca sobre música, ya que en esa ocasión lo hizo trabajar antes de la filmación: “Y fue un desastre. Yo sentía mucha vergüenza. El me miró y me dijo ´¿Ahora puedo componer?”.
Para culminar tomó una foto de la sala de prensa para explicarle a su mujer por qué estaba en Pinamar.

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